Rococorico

baillet_St_JulienLe XVIIIe siècle, à tous égards, croula sous les brochures. Plus ou moins anonymes, plus ou moins clandestines et lisibles, elles avaient vocation à pourfendre les abus et éprouver les privilèges, des serviteurs du Roi à son académie de peinture. La fameuse «sphère publique», chère à Habermas, doit beaucoup à cette littérature de l’ombre, souvent de second rang, voire de «caniveau», pour le dire comme Robert Darnton. Vers 1750, le Salon, qui se tient au Louvre, est devenu l’une de ses cibles favorites. «On attend des auteurs, écrit Nathalie Manceau, une liberté de parole, un ton irrespectueux, qui leur garantissent le succès.» Cette jeune chercheuse nous invite à relire une des figures les plus truculentes et virulentes de la critique d’art naissante, sur laquelle plane encore le souvenir étouffant de Diderot. Il s’en faut que Guillaume Baillet de Saint-Julien (1726-1795) soit un total inconnu. Qui s’est frotté à la peinture du temps sait qu’il réunit une collection de premier ordre en peu d’années, un petit musée accessible à de rares élus et donc ignoré des guides de Paris, un espace bien gardé où les différentes écoles cohabitaient dans la joie du dialogue. Mais l’éclectisme racé de l’amateur ne saurait dissimuler ce qui en faisait justement un personnage en vue, la sureté de ses choix en matière de peinture française. Avec Nathalie Manceau, il importe donc de le compter parmi les champions du «patriotic taste» (Colin Bailey).

Les ventes de sa succession embrouillée font apparaître la crème du moment, Chardin, Greuze, Fragonard, Vernet, Loutherbourg et deux Subleyras dont le fameux Bât de l’Ermitage, assurément l’une des interprétations les plus chaudes des Contes de La Fontaine. Si l’on ajoute à cela un Lancret et quelques Boucher, nous tenons là une personnalité d’une rare ouverture, capable de ne pas sacrifier le rococo à la nouvelle peinture, et soucieux d’affirmer ses idées par l’écrit masqué. C’est l’autre face du personnage, celle sur laquelle Nathalie Manceau a exercé ses connaissances étendues de l’art des années 1740-1770 et du monde qui gravite autour. L’un des enjeux de son livre est de faire entendre la polyphonie de l’époque, les débats que l’art contemporain active, les différentes voix qui la parlent et la jugent, et l’hétérogénéité même d’une peinture de moins en moins accordée au vieil idéalisme. En 1748, alors qu’il n’est pas encore majeur et qu’un conseil de tutelle administre sa fortune, ce rejeton déjà dispendieux de la noblesse de robe fait imprimer une recension du Salon de 1748. Geste qu’il réitère en 1750 et 1753. On oubliera ici les vers et autres textes de son corpus désormais nettoyé d’attributions farfelues. D’emblée, sa préférence va aux artistes qui combinent effet de réel et force d’expression. Quant à ceux qui versent dans l’artifice gratuit ou la fadeur, Baillet de Saint-Julien les expédie illico en enfer. Ses dieux, à l’inverse, sont Vernet et Chardin. Mais est-ce aussi simple? En revenant aux textes, qu’elle rassemble en annexe, Manceau réconcilie les morsures du critique et les largesses du collectionneur excentrique, mort fou…

Signalons,  concernant notre XVIIIe siècle, trois publications notables, et d’abord la somme que Jean Vittet vient de signer sur le fonctionnement et la production de la manufacture royale des Gobelins au siècle des Lumières, en accompagnement d’une exposition qui n’avait jamais été tentée jusque-là et qu’on ne reverra pas. À cela plusieurs raisons, la fragilité des tapisseries et la prudence de l’époque, voire ses réticences envers la culture rocaille. Mais puisque les Gobelins fêtent leur âge d’or en y déployant les grands moyens, ce serait un crime de laisser passer une occasion pareille de comprendre enfin les grandeurs et servitudes du lieu. L’ouvrage de Vittet, servi par la mise en pages de Marc Walter et la qualité exceptionnelle des tentures et cartons, montre qu’on n’y chômait pas, en dépit de la fluctuation des finances publiques et des commandes de particuliers. La manufacture pouvait ainsi servir la couronne et les grands du royaume. Passer en revue les motifs qu’on tissa jusqu’à la Révolution française, c’est voir défiler un siècle de peinture d’histoire et de scènes galantes. Mais l’exposition et son catalogue réservent aussi une place décisive aux «alentours» de Maurice Jacques, dont la prolifération rococo mettait en danger la prééminence de la scène principale, au plus près de l’esthétique dégondée du temps.

Si l’effroyable et humiliante guerre de Sept Ans (1756-1763) affecta passagèrement les Gobelins, elle empoisonna la vie et l’économie des soyeux lyonnais bien plus encore. Les exportations soudain dégringolèrent, ou rejoignirent les produits de contrebande, aux risques et périls des firmes françaises. En 1760, on lisait dans le London Chronicle: «dans tous les lieux publics, nos dames semblent plus françaises qu’anglaises. La législation a prohibé l’importation des soieries françaises, dentelles et lin; et pour cette raison même, les obtenir est devenu des plus désirables et des plus distingués.» Les obtenir, les copier ou les capter… Quatre ans plus tard, les douanes anglaises saisissaient un livre d’échantillons en provenance de Lyon, via Paris et Dunkerque. Il rejoindra en 1972 les collections du Victoria and Albert Museum, après avoir appartenu à la London Company of Weavers et d’autres manufactures britanniques. La Bibliothèque des Arts en publie un fac-similé et  retrace l’histoire rocambolesque d’un volume qui passa de main en main durant deux siècles. Avec l’aide d’une ample documentation visuelle, et à partir des portraits de l’époque et de leurs accessoires, Lesley Ellis Miller montre à quelles extrémités délicieuses pouvaient déjà conduire la mode vestimentaire et la guerre commerciale que se livraient les pays d’Europe. Son enquête de très longue haleine l’a conduite à identifier les deux G du livre d’échantillons, qui appartient à son musée, et à reconstituer le marché conflictuel de l’habillement de luxe au mitan du XVIIIe siècle. Pierre Arizzoli-Clémentel, dans sa postface, parle en connaisseur du «voile» que lève cette «étude capillaire» sur «le monde industrieux et attachant des soyeux» de Lyon et des marchands-merciers de Paris.

Last but lot least, le catalogue de l’exposition François Boucher. Fragments d’une vision du monde, qui eut lieu au musée Gl. Holtegaard en 2012, nous arrive enfin. Comme il est superbe, on se dit qu’on a bien fait d’attendre… Montrer François Boucher au Danemark, l’un des pays d’ancrage de «l’Europe française» de Louis Réau, c’était le ramener à la maison! Soixante-dix dessins, rococo à souhait, très déshabillés le plus souvent, résument la trajectoire d’un artiste qui se joua des frontières avec constance. Frontières politiques, on l’a dit. Mais frontières esthétiques au même degré. Françoise Joulie a voulu donner un plein écho à cette plasticité, qui fait passer Boucher du tableau royal au dessin pour amateurs, de la tapisserie au livre illustré, de l’estampe au bibelot, mais aussi du rustique à l’exotique, du religieux au laïc, de la pastorale priapique au stoïcisme romain… La légende du libertin, n’écoutant que sa libido insatiable, n’a plus cours désormais. On préfère peindre le chéri de la Pompadour en redoutable chef d’entreprise, ajusté aux diverses options d’un marché centrifuge. Il n’existait guère de conflit majeur entre Mercure et Vénus. Si le meilleur de Boucher possède l’énergie érotique et l’accent de vérité des meilleurs peintres de nu, c’est que le modèle vivant, femmes et hommes, scrutés sous tous les angles, fragmentés à plaisir, a très souvent précédé le monde plus idéal du tableau. Ce marivaudage sérieux, récompense méritée, retiendra les plus grands, de Manet à De Kooning.

Stéphane Guégan

*Nathalie Manceau, Guillaume Baillet de Saint-Julien (1726-1795). Un amateur d’art au XVIIIe siècle, Honoré Champion, 70€.

*Jean Vittet, Les Gobelins au siècle des Lumières. Un âge d’or la manufacture royale, Swan Editeur, 89€.

*Lesley Ellis Miller, Soieries. Le Livre d’échantillons d’un marchand français au siècle des Lumières, La Bibliothèque des Arts, 49€.

*Françoise Joulie, François Boucher, Fragments d’une vision du monde, Somogy, 39 €.

Un sacré coup de pinceau

Il faut plus que du talent pour réussir le portrait de Diderot. Beaucoup, de son vivant, s’y sont essayés. Très peu ont atteint leur but et comblé le modèle qui connaissait bien la peinture et la sculpture, si bien qu’il s’en méfiait. N’étaient-elles pas trop promptes à embellir et donc affadir la réalité ? Du tableau de Louis Michel Van Loo, où Diderot dresse une tête de poupée dans un flot de soie pimpante, Diderot écrit en 1767 : «Moi […] très vivant. C’est sa douceur, avec sa vivacité. Mais trop jeune, tête trop petite. Joli comme une femme, lorgnant, souriant, mignard, faisant le petit bec, la bouche en cœur.» Et le portrait de Fragonard? Lui a tenu sous sa griffe cet homme qui était tout mouvement, refusait le décorum et les faux-semblants, offrait à la vue le spectacle inhabituel d’un sage pour qui penser et sentir, aimer et jouir, écrire et s’écrire n’étaient pas séparables. Hélas, le fameux portrait du Louvre, s’il est du grand Frago, ne représente pas le grand Diderot. Où trouver dès lors la juste «ressemblance» ? Une synthèse qui ne soit pas dérisoire? Comment faire passer dans les images ou les mots ce bouillonnement d’idées et d’affects, ce trésor de savoirs et d’obsessions, de sentiments purs et d’appétits crus qui s’agitaient en lui ?

Il vero Polichinello, selon la formule que Diderot s’appliquait, a autant fait souffrir les pinceaux de l’Académie royale, cible captive de ses fameux Salons, que les spécialistes de la littérature du XVIIIe siècle, déchirés entre les Lumières de l’encyclopédiste et les excès du libertin, le propagateur d’une morale bourgeoise et le mauvais mari, l’avocat de Chardin et l’admirateur secret de Boucher, le défenseur de David et le séide du renouveau baroque, le prêtre avorté et l’amant magnifique de Sophie Volland, qu’une correspondance ardente, aujourd’hui écornée, a unis pendant ces années de feu prérévolutionnaire. Diderot l’intrépide, Diderot l’intempérant, se voyait et se pensait multiple, à l’image du monde et des arts qui ont vocation à traduire avec fierté l’homme et la nature, l’un et l’autre emportés par «une énergie, une dynamique, un élargissement incessant». C’est ainsi que Michel Delon formule la force centrifuge qui anime à la fois la vie de Diderot, son esthétique des extrêmes et la philosophie, sensée et sensible, qu’il sut dégager d’un matérialisme conséquent, capable de ne jamais sacrifier l’individu à l’altruisme et la volupté à la morale. La ligne droite, temps et espace, ne convient pas à ce défricheur d’inconnu. Aussi le portrait si fermement brossé de Delon zigzague-t-il sans plan apparent ni logique annoncée. Il n’accepte pour guide que la curiosité capricante de l’écrivain et les surprises d’un destin romanesque, qui s’est joué entre Langres et Saint-Pétersbourg. Puisque l’existence très ouverte de Diderot fut une vie en morceaux, Delon en arpente la géographie physique, intellectuelle et amoureuse par les traverses les plus savoureuses. Il s’autorise en chemin quelques digressions sarcastiques sur notre époque qui a perdu le sens des vraies libertés en perdant la mémoire et en humiliant la beauté. Son livre est à ranger près du Clavecin de Diderot, où le jeune et frénétique Crevel retrouvait le XVIIIe siècle de tous les possibles. Stéphane Guégan

*Michel Delon, Diderot cul par-dessus tête, Albin Michel, 24 €. Du même auteur, Diderot et ses artistes, Gallimard, hors-série Découvertes, 8,90€, le meilleur des viatiques pour aborder le massif des fameux Salons qu’on réduit hâtivement à la célébration du «naturel», de «l’honnête» et de «l’utile». Or Diderot fut l’un des premiers à théoriser la diversité du plaisir esthétique, comme si elle fournissait, dit Michel Delon, la vraie clef de son être.

Rentrée littéraire (1)

Elle aura été, en fin de compte, bien moins énervée que la rentrée scolaire ! À croire que la littérature n’intéresse plus grand monde. Il faut dire qu’elle fait un peu la gueule, notre littérature. Quand par miracle elle renonce à l’invertébré et au nombrilisme, elle distille trop souvent une misanthropie de bon aloi. Cette tradition a ses classiques, du Rolla de Musset à La Nausée de qui vous savez. Le filon du cafardeux aboutit logiquement à Yannick Haenel et ses Renards pâles, dont la philosophie rageuse puise à quelques mages du mal social, Rousseau, Marx et l’inépuisable Debord : «la société, il n’y a plus qu’elle partout», nous dit Haenel après ces penseurs de la déréliction et de l’aliénation modernes. Le crime prolifère, les horreurs du passé et les violences du présent nous enferment dans le consensus d’une servilité universelle… La Commune, la France de Vichy et celle de Sarkozy se télescopent, s’agglutinent… On connaît la musique, passons. Les Renards pâles, c’est donc l’histoire d’un homme qui fuit ce monde désespérément verrouillé, qui s’absente du mensonge généralisé pour retrouver une vérité. Cercle, le meilleur roman d’Haenel, nous a habitués à ces passagers clandestins, en quête de lumière et de nouveaux accords. Ils papillonnent sans se soucier du lendemain, se posent rarement et s’arrêtent encore plus rarement. Moines et jouisseurs, ils ne se donnent qu’à leurs semblables. Le héros des Renards pâles, lui aussi, renonce vite à ses vœux de solitude et de chasteté. Son abbaye de Thélème, c’est le XXe arrondissement, ses cafés, sa bohème et ses rencontres. Cela nous vaut des pages enveloppantes sur Paris et l’air que certains y respirent encore. En marche vers la rédemption, nécessairement sanglante, notre faux anachorète croisera quelques âmes sœurs. Dialogues et scènes de sexe nous ramènent au meilleur Haenel, direct, drôle, percutant, oublieux de ses maniérismes, tels que, p. 104: «Son cul avait sous la lune la blancheur laiteuse d’un orage». La perfection est toujours dans la simplicité, le héros d’Haenel ne cesse de le proclamer. SG // Yannick Haenel, Les Renards pâles, Gallimard, L’Infini, 16,90€

Choses vues, sues, tues ?

Ils furent, à leur manière, les vrais modernes de la France postrévolutionnaire. Les seuls peut-être à se colleter à la société née du grand chambardement de 1789 pour l’entraîner vers le bonheur terrestre, frisson neuf, comme on sait. Sans casques ni chlamydes, loin de Plutarque et d’Homère, accessoires et béquilles usuels de la phalange davidienne – plus guindée dans son rapport à l’histoire, nombreux furent les peintres à dire le présent dans sa radicale nouveauté et ses aspirations. Toute image porte en elle plus que son témoignage, toute image sourit aux désirs et aux interdits qu’elle met en scène. Ces chroniqueurs, on les appelle les peintres de genre depuis les années 1760-1770, et on les tient pour plus flamands ou hollandais que français, of course… Réputés myopes, accusés de troquer la grande poésie pour le détail et l’anecdote, ils avaient en réalité la vue plus large, et le cœur plus imprévisible, qu’on ne le dit encore. L’intérêt grandissant qu’ils suscitent de nos jours est le fait d’une nouvelle génération de chercheurs décomplexés, et affranchis des tabous de la profession. On les sent plus proches des frères Goncourt que de l’histoire de l’art institutionnelle, héritière de l’académie royale de peinture et de son mépris pour les images du quotidien, qu’elles prescrivent la sagesse domestique ou la licence privée.

Ni rabâchage innocent, ni catéchisme transparent, le « genre » ne ressemble guère à sa caricature. Entre le crépuscule de l’Ancien Régime et sa Restauration manquée, durant près de 50 ans, cette peinture a concentré un charme unique. C’est ce que nous montrent deux des meilleures expositions du moment, l’une à Toulouse, l’autre à Lille. Excentrement des plus significatifs… Rien de tel que les chemins de traverses pour remettre les pendules à l’heure. La première manifestation, modeste en nombre, est la plus ambitieuse par son propos d’ensemble et les pistes de lectures qu’elle ouvre ou qu’elle prolonge dans son catalogue, lequel prouve qu’on peut faire court quand on a des idées à défendre. Des idées, Carole Blumenfeld n’en manque pas, à l’évidence. Il n’est pas si courant en France qu’on confie un commissariat à une jeune universitaire, un peu frondeuse, de plus, au regard du sérail. Non qu’elle ignore les us du milieu : Carole Blumenfeld fréquente les archives, fouille les correspondances d’artistes et tout ce qui permet de serrer l’économie de l’art des années 1780-1820. Autant dire qu’elle est plus armée que d’autres pour approcher les artistes qui répondaient d’abord aux lois du marché moderne des images, cette autre révolution. La peinture de genre veut et doit séduire. Plaire est sa croix, sa chance aussi, déplaire sa mort. On ne saurait lui assigner une définition plus tendue. Pour le reste, en effet, elle n’est que défi aux catégories traditionnelles et absorbe, sur ses marges, le portrait, la nature morte et même l’expressivité plus appuyée de la peinture d’histoire, celle qui exalte les grands sentiments. La peinture de genre, gloutonne en diable, se contente pourtant des petits sentiments, entendez les plus ordinaires, les plus communément partagés. A la charnière des XVIIIe et XIXe siècles, l’amour est sa grande affaire. Et pas seulement le feu des corps, l’électricité du sexe, mais aussi la fusion des cœurs. Du bon usage des sentiments, tel aurait pu s’intituler l’exposition de Toulouse, travaillée par les thèmes qui dessinent une « carte du tendre » conforme aux lecteurs de Marivaux, Rousseau et Crébillon, pour ne pas parler du divin marquis…

Autant dire que les « théâtres de l’intime » font défiler sur leurs planches le large éventail des nouvelles «relations affectives» (Maurice Daumas) et celles ou ceux qui les incarnent idéalement. Du côté des vertus publiques les plus valorisées, on ne compte pas les mamans nourricières, les épouses modèles, les papas attentifs, les veuves éplorées, les scènes d’aumône, les paysans au repos et les couturières au travail. A ces panathénées du bon cœur et de l’harmonie sociale répond le cortège des passions dangereuses, heureuses autrement. Spécialiste de Fragonard et de Marguerite Gérard, Carole Blumenfeld a le bon goût de préférer aux donneurs de leçons la peinture libertine (Schall, Mallet, Haudebourt-Lescot et ce Van Gorp auquel elle réattribue deux tableaux mal étiquetés !). Ceci dit, une analyse poussée montre que les conventions, propres à chaque camp, n’étouffent jamais les bons peintres et leur penchant pour l’équivoque. Cette ambiguïté est aussi vieille que le monde, elle est désormais de règle dans un monde qui a fait de l’impératif moral, relisez Kant, sa dernière certitude métaphysique. Mais ce qui vaut pour les raseurs de la philosophie éclairée agit peu sur la société civile. Là, en toute impudeur parfois, commence le règne du plaisir en son urgence la plus impérative… Action, dirait Sollers. A ce jeu-là, le plus génial des « peintres de genre » est le sublime Boilly, auquel le musée des Beaux-Arts de Lille ouvre grand ses espaces. Si l’on eût préféré une proposition moins sagement linéaire, qui aurait mis davantage en évidence les tensions économique, politique et éthique de sa carrière, l’hommage lillois tient sa promesse ; il fait entrevoir à merveille les lacunes de l’histoire de l’art la plus académique, aveuglée par le prestige des peintres d’histoire. 

A la faveur du 250e anniversaire de sa naissance, Boilly (1761-1845) est donc autorisé à se présenter sous son jour le plus complet. Etonnant portraitiste et franc-maçon, il croise Robespierre à Arras avant la Révolution ; cela ne le pousse pas à raidir sa manière dans ses premières scènes amoureuses. Nul autre que Boilly n’est capable alors d’égaler le grand Fragonard. Son Concert improvisé, le plus beau « coup de foudre » de la peinture française, met toute de suite la barre très haut. Il n’y manque même pas la petite pointe d’humour qui permet au peintre de s’approprier les pamoisons de l’extase religieuse. Républicain, Boilly aura à se corriger quand la Révolution se fera Terreur. Thermidor le rend à lui-même et à son succès qui ne se démentira pas avant les années 1830. A travers Boilly, c’est tout une génération qui prend d’assaut le monde de l’art. Son fameux Atelier d’Isabey, éclat du Salon de 1798, est peut-être moins un « panthéon de l’amitié » que la reconnaissance du marché, sensible de même, au sein duquel les jeunes peintres, quels que soient leurs genres, s’affrontent. Le thème de l’atelier, du reste, devient récurrent chez Boilly après 1800, de même que celui de la rue et de la foule, métaphores de l’espace public dont sa peinture est inséparable. On aurait aimé que l’exposition y insistât plus et qu’elle rappelât aussi le tropisme anglais de l’artiste comme le rôle crucial qu’il assignait à l’estampe. La fabrication ne saurait se dissocier de l’exposition et de la diffusion. Ses tableaux, qu’on comparait aux plus fines productions des nordiques du XVIIe siècle, s’adressaient aux Français modernes et scrutaient le bel aujourd’hui, des époux amoureux, image possible de la félicité, aux charmes tarifés des galeries galantes du Palais-Royal. Voilà donc un corpus où se rejoignent les forces les plus décisives de la peinture de genre. A lire la presse de l’époque, comme l’ont fait Etienne Bréton et Pascal Zuber, on comprend que les amateurs étaient aguerris au piment de cette peinture faussement lissée, qui sait aussi bien peindre le baiser que « faire tourner » une paire de fesses. On rêve d’une exposition qui répondrait au génial Dictionnaire libertin de Patrick Wald Lasowski. Comme les mots, les images étaient alors d’autant plus contrôlées et dénoncées qu’elles réveillaient des pensées licencieuses par leur pratique plus ou moins ouverte du glissement ou de l’inversion sémantiques. Boilly passe toujours pour l’inventeur du trompe-l’œil, le mot plus que la chose, évidemment. Mais ses peintures ne piègent ou n’aveuglent que ceux qui ne veulent pas voir. Ce fut le cas, longtemps, de l’histoire de l’art. On en sort enfin. Stéphane Guégan

Petits théâtres de l’intime. La peinture de genre française entre Révolution et Restauration, Toulouse, musée des Augustins, jusqu’au 22 janvier 2012 ; catalogue, 36 €

Boilly (1761-1845), Palais des Beaux-Arts de Lille, jusqu’au 6 février ; catalogue (éditions Nicolas Chaudun, 39 €) sous la direction d’Annie Scottez et de Florence Raymond

Patrick Wald Lasowski, Dictionnaire libertin, La langue du plaisir au siècle des Lumières, Gallimard, L’Infini, 2011, 26,50€.